(Archive Programme 2016-2017)

Cours principal de Nadège Dauvergne

Septembre

- Peinture expressive à l'huile.

Peindre d'après une nature morte d'Antoine Vollon.

- Cours libre ou

créer un nuancier de couleurs au pastel gras.

Octobre

- Pochade à l'acrylique sur papier Mi-Teintes Touch.

Autour d'œuvres symbolistes à reproduire et de sujets personnels.

- Cours libre ou

comment peindre les feuillages (acrylique)

Novembre

- La Femme dans le symbolisme, allégories.

- Modèle vivant

- Cours libre ou

perspectives (maison, damier, barrière)

Décembre

- Autour de l’œuvre symboliste de Gustave Moreau.

Travailler à la manière de l'artiste en réalisant sa propre carte à gratter.

La Femme dans le Symbolisme

Dans cette époque fin de siècle, le climat est à l'introspection, au monde intérieur, la situation moderne et industrielle pousse l'artiste à rêver. Dans sa volonté de s'affranchir de la société il se retrouve face à lui-même. La recherche d'un idéal animera alors peintres et poètes qui trouveront en la Femme leur sujet de prédilection. Leurs idées trouveront en Elle la forme sensible pour exister, pour s'incarner.

Baudelaire dira: «La Femme est naturelle, c'est à dire abominable  ».Naturelle car liée au corps, à la vie qu'elle donne et aussi à la mort. Cette définition la placera sur un axe à la frontière entre le merveilleux et le monstrueux . Quand certains en feront une figure idéalisée, d'autres verront une incarnation diabolique. Quoi qu'il en soit, chaque voie explorée nourrira ce besoin de rêver et d'explorer des mondes magiques, inconnus, au prix de certains tourments. De l'homme romantique du début du siècle, volontaire et héroïque découle un homme victime et martyr qui subit. En pleine révolution industrielle l'Europe catholique perd ses repères, elle recherche ses valeurs et le puritanisme  s'étend. La femme, depuis la sexualité sans reproduction devient inquiétante, troublante donc fatale. Désir et sensualité sont associés à la mort. Depuis la sexualité reproductive et cette capacité à donner la vie elle devient au contraire source de pureté et d'innocence. Dans les deux cas les traits sont exagérés afin de créer des images idéelles plaçant les hommes aux portes de questionnements plus profonds, le voilà au bord de l'inconscient.

Pour l'artiste symboliste la Femme va se parer d'une vision, boudant celles qu'il croise au quotidien, il leur préférera les beautés des récits  mythologiques ou bibliques qui lui inspireront tableaux et poèmes. Il mettra à l'honneur des figures comme Salomé ou Judith, fascinantes, séductrices et coupeuses de têtes. Encore celles d'Ophélie ou la blanche Pandora, dont la nudité atteste de sa virginité. La Femme devient aussi allégorie, incarnant par exemple l'Espérance face aux atrocités de la guerre, planant tel un ange au-dessus de l'horreur.

Ange ou démon, c'est sans demi-mesure que la Femme traverse le mouvement symboliste. 

1. Elle- de Gustave Adolf Mossa  1905, 80 x 63 cm
2. Higie - Klimt, déesse grecque de la santé
3. L'Oeuf- Alfred Kubin, 1902-1903
4. La Femme - Edvard Munch, 1895
5. La Mort et le fossoyeur- Carlos schwabe, 1895 - 1900, 75 x 55,5 cm
6. Le Jour- Ferdinand Hodler, 1900
7. Le Péché - Franz von Stück, 1893, 60 x 95 cm
8. Le Dimanche -Le Sidaner, 1898
9. Hymne à la mer -Alphonse OsbertMadone - Edvard Munch, 1894-95
10. Salomé - G. Moreau
11. Judith- G. Klimt
12. Ophélie - O. Redon
13. Ophélie- John Austen Ophélie- Dagnan-Bouveret Pandora- Odilon Redon
14. L'Espérance- Puvis de Chavannes,  1871,72
15. L'Espérance  2 -Puvis de Chavannes,  1871,72
16. Le cœur de la rose- Elihu Vedder, 1891, 92
17. La naissance de Vénus- odilon Redon 1912
18. La Vérité G. Klimt
19. Les Pléiades- Elihu Vedder, 1885: Les 7 étoiles des PLÉIADES sont "les gardiennes du ciel", les sept sœurs, filles d'Atlas et de Pléioné.

Gustave Moreau 1826 / 1898

Principal représentant en France du mouvement symboliste et d'un style néo-classique Gustave Moreau fut également dessinateur, graveur et sculpteur.

C'est très jeune qu'il commence à dessiner et encouragé par son père il intégrera plus tard l'école nationale supérieure des Beaux-arts. Échouant par deux fois au prix de Rome il effectue un voyage en Italie, copiant les maîtres et motivé par le désir de dépoussiérer la peinture d'histoire de son époque. Il comprend que pour cela il lui faudra travailler et sur son parcours artistique réalisera de nombreuses études. Dans ce grand tour d'Italie il découvrira les chefs-d'oeuvre de l'Antiquité et les maîtres de la renaissance et profondément marqué par ce voyage gardera un ensemble de travaux qui constituera un répertoire dans lequel il puisera toute sa vie.

C'est au fur et à mesure et alimentée par de nombreuses sources que la peinture de Gustave Moreau trouvera sa singularité. On constate tout de suite l'importance du dessin, surpris devant l'aspect non fini de ses toiles, en effet, beaucoup resteront à l'état d'ébauche. Peut-on parler de peintures dessinées ? Il réalisera également de nombreuses aquarelles dans lesquelles il prendra des libertés jusqu'à flirter avec l'abstrait : "C'est curieux cette petite aquarelle d'aujourd'hui m'a montré d'une façon admirable que je ne fais bien que quand je travaille à des choses faites à la diable".

On trouve dans l'oeuvre fantasmagorique de Gustave Moreau le geste spontané, libre de l'artiste explorant de nouvelles voies ainsi que celui maîtrisant l'académisme, « la recherche de la belle arabesque soumise à des canons précis ». On voit l'être érudit dont les influences sont nombreuses, tour à tour inspiré par les gravures de la renaissance, les estampes chinoises, les miniatures indiennes ou persanes. Sur la toile se créer des rencontres, un contraste fort et harmonieux entre le flou et le net, le décoratif et le réalisme, la tradition et la modernité.

Il croira au pouvoir des peintres et des poètes comme assembleurs de rêves, à l'existence d'une dimension autre qu'il tentera de révéler par sa peinture à travers son être sensible. Il dira : « Je ne crois ni à ce que je touche, ni à ce que je vois. Je ne crois qu'à ce que je ne vois pas et à ce que je sens. »

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2eme Trimestre 

Séléction du travail de quelques des adhérents

František Kupka, dit François Kupka, né à Opočno, Bohême orientale, le 23 septembre 1871 et mort à Puteaux, Hauts-de-Seine, le 24 juin 1957, est un peintre tchèque comptant parmi les pères de l'abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch et Robert Delaunay.

Durant les quatre-vingt-cinq années de sa vie, il aura vu de nombreux bouleversements de l'art, du symbolisme au pop art, en passant par l'impressionnisme, le cubisme, et bien sûr l'art abstrait, mais il aura toujours voulu garder son indépendance, sa liberté par rapport à tous les grands -ismes de l'Art. Bien qu'il soit un pionnier de l'abstraction, il refusera toujours l'appellation d'artiste abstrait, et s'en expliquera ainsi : « Ma peinture, abstraite ? Pourquoi ? La peinture est concrète : couleur, formes, dynamiques. Ce qui compte, c'est l'invention. On doit inventer et puis construire. »

 - Cours libre ou comment dessiner la main.

Samedi 25 - Lundi 27

Mars

- Travailler d'après un dessin de Xavier Mellery, utilisation du noir et du blanc (techniques au choix) sur papier brun-miel.

Samedi 4, 11, 18

Lundi 6, 13, 20

- Cours libre ou comment placer les ombres en perspective.

Samedi 25 - Lundi 27 

Avril

- Autour du modèle vivant, selon les symbolistes.

Samedi 01, 08, 15, 22

Lundi 03, 10, 24

- Cours libre ou les bases de la composition

Samedi 28 - Lundi 1 (mai)

Mai

- Le Thème de l’année, technique et format au choix.

Samedi 6, 13, 20, 27

Lundi 8, 15, 22, 29

Juin

- Préparation de l’exposition de fin d’année et peinture sur le motif dans Chambly, selon la météo.

Samedi 03, 10, 17, 24

Lundi 05, 12, 19, 26